La 25° edizione della Fiera del libro di Imperia si svolge nell’affascinante centro storico di Porto Maurizio dal 29 al 31 maggio principalmente tra Via Cascione e Via XX Settembre. Dal 2005 la Fiera del Libro di Imperia, Festival della Cultura Mediterranea, è un evento culturale che ogni anno celebra la letteratura coinvolgendo in maniera unica editori, autori, lettori e territorio. La manifestazione si caratterizza per un’organizzazione diffusa con un ricco calendario di presentazioni e incontri.

Durante questi giorni presso l’Oratorio di Santa Caterina in Via San Maurizio si svolge l’esposizione collettiva di arte contemporanea Trasformazioni a cui prendono parte Severina Cicero, Silvia del Giudice, Elisabetta Gozzini, Sonia Guerra, Gianni Magnolia, Laura Maineri, Claudi Piripippi, Sabrina Pomponio, Anja Steinhauer.

L’Oratorio di Santa Caterina, tutelato dalla Soprintendenza Archeologica Belle Arti e Paesaggio per la Provincia di imperia e Savona, suggestivo e meditativo, invita alla riflessione e alla contemplazione. E’ un luogo sacro in cui le opere presentate assumono significati e valori nuovi e intensi. Io presento alcune opere della collezione Cuore Matto e l’opera L’illusione della scelta. E’ stimolante interfacciarsi con luoghi non destinati all’esposizione di opere creative perché a volte si riesce a dare contenuti e valori profondi inaspettati. Impossibile appendere opere alle pareti, forse riduttivo e insignificante introdurre pannelli di supporto a cui appendere i propri valori. Bellissimo invece entrare nell’Oratorio di Santa Caterina e cercare di coglierne lo spirito provando a valorizzare il luogo, le opere e gli arredi che lo spazio offre. Così alcune sedie impilate diventano il supporto per mostrare in maniera inedita alcune opere della serie Cuore Matto e il confessionale, spazio misterioso e simbolico, diventa elemento di supporto per una piccola opera, 25 x 25 cm dal titolo L’illusione della scelta.

L’illusione della scelta

Quest’opera nasce da una riflessione sul rapporto tra libero arbitrio e determinismo mettendo in discussione l’idea che le nostre scelte siano realmente nostre. Il cuore rappresenta la dimensione emotiva e la percezione di libertà che accompagna ogni decisione. E’ il luogo simbolico in cui crediamo di scegliere. Le spine e lo spazio che sovrasta il cuore evocano ciò che precede ogni scelta: il passato, le esperienze, le condizioni invisibili che strutturano il nostro pensiero e orientano le nostre azioni. Non sono solo ostacoli, ma traiettorie già tracciate. La tensione tra questi due elementi non si risolve. Il cuore continua a pulsare, ma il suo spazio è delimitato. L’opera si colloca in questo margine sottile: un punto in cui la libertà esiste… ma forse solo come percezione.

Ringraziamenti: Luciangela Aimo organizzatrice del Festival della Cultura Mediterranea –  Accademia Riviera dei Fiori G. Balbo

Per il EneganArt 2025, Concorso Biennale di Arte Attuale realizzato da Enegan Spa, presento Metamorfosi, un’opera che esplora in chiave critica e contemporanea il significato stesso dell’essere umano. Cosa significa davvero “essere umano” oggi? Si tratta di una semplice definizione biologica o di una condizione da costruire e dimostrare? Questa domanda, centrale nella riflessione antropologica e filosofica, guida l’intero progetto. Da un lato, l’essere umano è una categoria tassonomica: una definizione oggettiva, scientifica, legata alla specie. Dall’altro, è una tensione etica: un ideale a cui tendere attraverso valori, comportamenti e scelte. Siamo esseri umani per nascita ma passiamo tutta la vita a cercare di essere umani per scelta, cercando di aderire all’ideale che abbiamo costruito di noi stessi.
Nel contesto contemporaneo, dominato da tecnologia e sistemi digitali, questa tensione si trasforma radicalmente: l’umanità non è più solo una condizione, ma una rappresentazione mediata da codici, dati e algoritmi. Apparire umani diventa parte di un processo artificiale.

L’opera realizzata con software di grafica vettoriale è firmata Ecoalgobit, l’alter ego che rappresenta la mia ricerca sulla raffigurazione del volto umano in chiave grafica e simbolica. Il disegno si sviluppa in maniera essenziale, attraverso un processo di sintesi che ricerca simmetrie bilanciate, proporzioni ed equilibri personali senza ricorrere alla costruzione volumetrica tradizionale del chiaroscuro. Viene così superata ogni adesione a canoni proporzionali accademici codificati. Le curve di Bézier non sono semplici strumenti tecnici, ma diventano elementi espressivi: linee che definiscono uno stile e si trasformano in veri e propri segni identitari. Il risultato è una figura minimale, sospesa in un equilibrio sottile tra semplicità, intesa come sottrazione, e complessità, intesa come costruzione. Una sintesi visiva che riflette la condizione umana contemporanea: frammentata, instabile e in continua trasformazione.

Il Sanremo Photo Fest, promosso dall’associazione culturale sanremese Spazi Visivi, nasce con l’obiettivo di diventare un punto di riferimento culturale per la fotografia contemporanea: uno spazio di incontro tra arte, tecnica, ricerca visiva e valorizzazione del territorio.
Per questo progetto ho sviluppato un logo capace di esprimere autorevolezza, eleganza e contemporaneità, traducendo in forma grafica il dialogo tra luce, cultura e linguaggio fotografico.

Concept del logo: una S e un punto raccontano una visione

Il significato del logo del Sanremo Photo Fest è semplice ma potente:
– una S incontra un punto;
– la S sta per Sanremo, Il punto individua nella mappa della città un luogo importante, quello in cui si svolge il Sanremo Photo Fest;
– la S rende Super il Sanremo Photo Fest che di rimando valorizza Sanremo facendola diventare punto di riferimento culturale per la diffusione delle arti visive;
– il punto è anche simbolo del foro in cui entra la luce nell’apparecchio fotografico, il punto in cui inizia la magia della fotografia, il punto dove arte e tecnica si incontrano.
Definisco un logo combinato per creare un marchio d’impatto, immediatamente riconoscibile che possa rimanere ben impresso nella memoria. Il pittogramma è realizzato con un carattere serif, il Playfair Display, dall’aspetto equilibrato che con grazia comunica autorevolezza ed eleganza (valori associati alla bellezza raffinata di una città come Sanremo). Il Logotipo è realizzato con un carattere sans serif, il Noto Sans Carian, dal disegno pulito che con forme essenziali comunica precisione, competenza tecnica e contemporaneità (valori associati alle conoscenze tecniche dello scatto fotografico).

Il logo del sanremo Photo Fest: colori e uso

L’azzurro è il colore identitario del progetto. Una scelta che nasce dal legame con Sanremo, il paesaggio ligure e il significato simbolico del colore nel branding contemporaneo, infatti azzurro é:
– il colore del gonfalone sul quale svetta lo stemma della città;
– il colore della luce diurna diffusa dall’atmosfera e il colore del Mar Ligure sul quale la città si affaccia;
– il colore che nel Branding rappresenta fiducia, affidabilità, professionalità e sicurezza.
Il logo è progettato in versione orizzontale e in versione verticale per funzionare sia a colori sia in bianco e nero mantenendo riconoscibilità e forza visiva in ogni applicazione.

La visione: la fotografia come linguaggio universale

Il logo interpreta la visone del Sanremo Photo Fest come un evento autorevole e di prestigio capace di creare un momento importante di incontro tra arte, cultura e tecnica. La fotografia viene presentata come un linguaggio universale di espressione, riflessione e conoscenza, non solo come fatto tecnico (comunque imprescindibile). L’evento aspira a diventare un importante appuntamento internazionale per la qualità dei nomi chiamati ad esporre e per le attività collaterali organizzate da Spazi Visivi.

Tra il 20 luglio e il 30 agosto 2025 a Ceriana in provincia di Imperia si svolge un’esposizione d’arte contemporanea particolare e di grande interesse. L’evento si chiama “Arte Sospesa” ed è alla sua seconda edizione. Si tratta di una collettiva in cui le opere vengono appese ai muri delle case nei passaggi dei caratteristici carrugi del paese. La mostra del 2025 è ispirata al Future Dusk, il colore del 2025 scelto da WGSN e Coloro. Si tratta di una tonalità tra il blu e il viola che ricorda e si ispira al crepuscolo.

Intitolo il lavoro che presento “Frammenti e cicatrici“. Immagino emozioni, ricordi e pensieri riaffiorare in uno spazio in cui la ragione e il cuore dopo tanti anni si incontrano. In questo luogo la ragione si scopre essere in debito verso il cuore che troppe volte le ha lasciato il passo nelle scelte.

Dal 22 giugno al 6 luglio 2025 si è svolta a Bordighera l’ottava edizione di “Sulle tracce del Reale” Esposizione d’Arte Contemporanea di Bordighera (IM) a cura dell’Accademia Riviera dei Fiori G. Balbo. Partecipo presentando la mia ricerca formale: figure essenziali composte da linee e forme minimali, che dialogano con elementi grafici e campiture di colore in un ricercato e precario equilibrio. La rappresentazione del volto umano è una costante, quasi un’ossessione, che si manifesta in una ricerca formale continua di semplificazione e geometrizzazione delle singole parti. Non vi è la ricerca del chiaro scuro per una definizione precisa, non vi è il rispetto delle proporzioni per il disegno reale del volto. Vi è una rappresentazione grafica, simbolica, delle singole parti per la definizione di una studiata composizione fatta di simmetrie bilanciate, proporzioni e armonie personali. Tre le opere che presento.

Brucia la città
Le persone scappano cercando rifugio. Muri in cemento armato crollano. Boati e urla disperate. Quello che era una casa, una strada, una scuola, è diventato solo un cumulo di macerie. Solo distruzione, morte, desolazione… e qualche ricordo di cose perse per sempre.

Passeggiando nel parco all’improvviso
Solita passeggiata nel parco. Solite persone e solito percorso. Gli stessi pensieri e preoccupazioni. Il gruppetto che corre, chi parla al telefono, le solite passeggiate con il cane… ma all’improvviso uno sguardo… un colpo al cuore… che buffo, che strano modo di dire… “un colpo di fulmine“…

Montagne russe
Sequenze di 0 e 1 fino a valori impensabili in uno spazio inconsistente e immateriale ma comunque reale. Il 22 maggio 2010 Laszlo Hanyecz conclude la prima transazione pagata utilizzando bitcoin. Compra una pizza del valore di circa 41 dollari che ai tempi corrispondevano a 10.000 bitcoin. Oggi al valore attuale quegli stessi bitcoin varrebbero centinaia di milioni di dollari.  Nel corso degli anni il valore di bitcoin è fluttuato tra alti e bassi raggiungendo nel 2024 addirittura il valore di 100.000 dollari per poi ridiscendere e superare successivamente tale valore. Sue giù come sulle montagne russe con stupore e urla… per qualcuno di gioia… per qualcuno di paura.

E1027 è la villa che la designer Eileen Gray (Enniscorthy 1878 – Parigi 1976) ha realizzato per lei e il suo compagno, l’architetto Jean Badovici (Romania 1893 – Monaco 1956), sulla scogliera di Roquebrune-Cap-Martin tra il 1926 e il 1929. Qui il tratto di costa è molto bello e la posizione dove sorge la villa, nei pressi della stazione ferroviaria, lungo la passeggiata pedonale fronte mare che conduce a Mentone, è incantevole. Il nome della villa è un nome in codice: E sta per Eileen, 10 sta per J, la decima lettera dell’alfabeto, l’iniziale di Jean, 2 sta per B, la seconda lettera dell’alfabeto, l’iniziale di Badovici, 7 sta per G, la settima lettera dell’alfabeto, l’iniziale di Gray.

Eileen Gray è stata una designer che si è dedicata alla progettazione di mobili e complementi di arredo, all’allestimento di spazi interni e alla progettazione architettonica. Si è affermata nel 1919 quando ricevette l’incarico di decorare il salotto di Suzanne Talbot (celebrità della moda parigina degli anni 20). Alcuni suoi mobili (il tavolino regolabile table E1027, la poltrona Bibendum, la poltrona Transat, la lampada Tubelight), come del resto anche villa E1027, sono divenute delle vere e proprie icone. Sua anche la Dragon Chair disegnata nel 1917 in stile Art Déco (stile in voga ai tempi della sua realizzazione) poi diventata la poltrona più pagata al mondo (comprata all’asta dai galleristi parigini Robert e Cheska Vallois da Christie’s nella tenuta di Yves Saint Laurent nel 2009 per la cifra record di 21,9 milioni di euro).

Jean Badovici, amico di Le Corbusier, fu architetto e direttore della rivista francese di architettura d’avanguardia L’Archicture Vivante. Eileen Gray non era un architetto e fu Badovici a spronarla a dedicarsi all’architettura. Nel 1929 quando i lavori di E1027 furono terminati Badovici gli dedicò un intero numero di L’Archicture Vivante. I disegni tecnici (piante, prospetti, sezioni) pubblicati non sono stati fatti da Eileen Gray (lei non conosceva il disegno tecnico utilizzato nel progetto architettonico) ma sono stati eseguiti o comunque validati da Badovici (come si legge nel libro di Francesco Maggio “Eileen Gray. Interpretazioni grafiche” edito da Franco Angeli nel 2011).

E1027 è una casa stretta e lunga a campata unica in cui gli spazi, i collegamenti interni tra le varie parti e quelli verso l’esterno sono stati elaborati nel minimo dettaglio: un’architettura pensata e organizzata per come sarà vissuta a partire dalle caratteristiche ambientali (illuminazione, vento, visuali) del luogo di costruzione. Gli interni sono allestiti con mobili e complementi disegnati dalla stessa Eileen Gray. Il suo lavoro è l’espressione di un perfetto equilibrio tra funzionalità, estetica e comfort.

E1027 è una costruzione di rara bellezza che rimanda con il pensiero sia alle ville realizzate da Le Corbusier dopo la progettazione dell’opera di Eileen Gray sia alla precedente Villa Le Lac costruita tra il 1923 e il 1924 a Corseaux sul lago Lemano in Svizzera.

Si racconta che Le Corbusier nel corso degli anni manifestò una vera e propria ossessione nei confronti di villa E1027. Tra il 1938 e il 1939 (quando Gray e Badovici erano ormai separati) Le Corbusier ospite di Badovici (la casa gli fu lasciata da Eileen Gray) dipinse 8 murales coloratissimi. I muri bianchi, puri, essenziali così come pensati e voluti da Eileen Gray vennero sfregiati da forme e colori di pitture ad essi completamente estranei. In questo modo Le Corbusier non si curò minimamente delle caratteristiche della costruzione ricercate da Eileen Gray e si comportò come se in qualche modo volesse appropriarsene marcandola con il suo segno.

Anche gli esterni della villa portano le impronte del passaggio di Le Corbusier. Nel 1949 Thomas Rebuttato sul terreno confinante con quello di E1027 (da lui comprato nel 1947) apre il ristorante Etoile de Mer pensato come una terrazza innanzi al mare sulla quale mangiare il pesce appena pescato. Le Corbusier ne è uno dei primi e più assidui frequentatori e diventato amico di Rebuttato nel 1950 dipinge un quadro, poi appeso sulla facciata del locale, che ritrae Rebuttato e un pescatore del posto, dal titolo “A l’Etoile de Mer règne l’amité”.
Le Corbusier ottiene da Rebuttato la disponibilità di una piccola parte di terreno accanto l’Etoile de Mer dove nel 1952 sistema il suo Cabanon (disegnato nel 1951 quale regalo di compleanno per la moglie Yvonne Gallis). In cambio Le Corbusier si occupa, sullo stesso terreno, dell’edificazione delle Unites de Camping (5 essenziali e spartani alloggi per vacanze) poi avvenuta nel 1956.

E1027 e le altre costruzioni nelle immediate vicinanze risultano tutte in qualche modo firmate da Le Corbusier. Egli morì il 27 agosto del 1965 colto da un malore mentre nuotava, come era sua consuetudine, nelle amate acque antistanti E1027.

Nel corso degli anni Villa E1027, abbandonata e saccheggiata, si riduce in un cumulo di parti deteriorate a causa di incuria, atti vandalici e azione aggressiva e corrosiva dell’ambiente marino circostante. Nel 1999 fu acquistata dal Conservatoire du Littoral l’organizzazione del governo francese che si occupa della conservazione e della gestione delle aree costiere. Nel 2000 casa E1027 diventa un monumento storico. Nello stesso anno, per preservarne nel tempo il valore, gli eredi di Thomas Rebuttato donarono il ristorante Etoile de Mer e le Unités De Camping al Conservatoire du Littoral. Essi crearono anche un’associazione di tutela per la gestione delle attività culturali dell’intero sito: l’associazione Cap Moderne che si è occupata del restauro di villa E1027 e continua a occuparsi dell’intera area e delle visite guidate della stessa.

Visita di Villa E1027 e dell’intera area: sito prenotazioni monumenti francesi
Presentazione delle attività di Cape Moderne: sito Cap Moderne
Alcuni spunti per approfondire la conoscenza di Eileen Gray e di E1027:
– la biografia di Peter Adam “Eileen Gray: Her Life and Her Work” edito da Thames & Hudson
– il libro di Francesco Maggio “Eileen Gray. Interpretazioni grafiche” edito da Franco Angeli
– il film “The Price of Desire” del 2015 di Mary McGuckian

Al riparo dei morsi della calura estiva, al piano terreno, in posizione parecchio riservata, trova sistemazione un busto in bronzo raffigurante Eilen Gray realizzato dall’artista irlandese Vera Klute. Lei è lì, sul quel terreno scelto con tanta passione, nella sua casa progettata e costruita con perseveranza e dedizione a godersi la vista meravigliosa che il luogo offre. Una presenza discreta quasi nascosta come il suo lavoro per Villa E1027 per anni all’ombra dei successivi interventi di Le Corbusier.
Dopo la visita di E1027 con grande stupore nel guardare gli scatti fotografici di Stefania Scarpa vedo le immagini del busto di Eilen Gray. Stefania non conosceva appieno la storia della casa ma ne ha colto un aspetto importante raffigurando ciò che la maggior parte dei visitatori ignora.

Definizione di colore
Il colore è ciò che percepisce l’uomo quando il suo cervello elabora le luci visibili che arrivano al suo occhio. Per definire il colore bisogna quindi definire cosa sono le luci visibili. La luce è un’onda elettromagnetica, ovvero un’entità fisica caratterizzata da parametri scientifici che ne definiscono le caratteristiche. Uno di questi parametri è la lunghezza d’onda detta landa (λ). Per come è strutturato l’uomo tutte le onde elettromagnetiche comprese tra circa λ = 400 nm e λ = 700 nm risultano visibili mentre tutte le altre (onde Ultraviolette, l’Infrarosso, Raggi X, Raggi Gamma, ecc.) risultano non visibili a occhio nudo.
Scrivere in merito al colore non è semplice perché si tratta di materia che interessa tanti e differenti ambiti quali le tecniche di riproduzione del colore stesso, la scienza, l’estetica, la psicologia, l’anatomia e la fisiologia dell’occhio, del cervello e delle parti tra loro connesse.

La percezione dei colori da parte dell’uomo
Nella parte posteriore della retina dell’occhio umano vi sono delle cellule chiamate fotoricettori che sono in grado di trasformare le luci visibili in impulsi elettrici da inviare al cervello per mezzo di un processo detto di fototrasduzione. I fotoricettori in base alle loro differenze strutturali e funzionali si suddividono in bastoncelli e coni. Questi permettono all’uomo di vedere in diverse condizioni ambientali di illuminazione.

I bastoncelli sono attivi in condizioni di scarsa luminosità (visione scotopica o crepuscolare), sono molto sensibili alla luce non partecipano alla percezione del colore e contengono tutti una stessa sostanza detta rodopsina. Sono fondamentali per la visione notturna e periferica. Possono essere di importanza vitale perché in condizioni di scarsissima luce permettono la percezione di forme e movimenti.

I coni sono attivi in condizioni di alta luminosità (visione fotopica o diurna) e partecipano alla vista dei colori. Non sono tutti uguali in quanto contengono una sostanza detta iodopsina che (a seguito di sperimentazioni scientifiche) risulta essere maggiormente sensibile ad alcune lunghezze d’onda e meno ad altre. I coni per convenzione vengono suddivisi e raggruppati in base ai loro picchi di sensibilità alla luce visibile (ovvero in base ai loro picchi di sensibilità a una determinata lunghezza d’onda dello spettro visibile):
– i coni S (short, circa il 12% del totale dei coni) sensibili alle lunghezze d’onda più brevi con picco di sensibilità a circa 420 nm che per convenzione si dice che l’uomo percepisce come blu;
– i coni M (circa il 55% del totale dei coni) sensibili alle lunghezze d’onda medie con picco di sensibilità a circa 534 nm che per convenzione si dice che l’uomo percepisce come verde;
– i coni L (circa il 33% del totale dei coni) sensibili alle lunghezze d’onda lunghe con picco di sensibilità a circa 564 nm che per convenzione si dice che l’uomo percepisce come rosso.

La percezione del blu, del verde e del rosso da parte dei coni è una convenzione generalmente accettata (probabilmente per avere una perfetta corrispondenza con i colori primari della sintesi additiva) che non corrisponde alla realtà in quanto le lunghezze d’onda, dei picchi di sensibilità, delle tre differenti tipologie di coni non corrispondono esattamente alle lunghezze d’onda dei colori individuati e soprattutto il picco di sensibilità dei coni L corrisponde alla lunghezza d’onda del giallo e non del rosso.

Oggi si ritiene che la percezione dei colori non sia dovuta solo all’azione dei coni ma sia il risultato di un processo che ha inizio nell’occhio e si conclude nel cervello in una parte che viene definita corteccia visiva.
In questo modo troverebbero conferma differenti intuizioni e ricerche di studiosi che si sono dedicati alla percezione del colore e che hanno elaborato nel corso dei secoli differenti teorie:
– la cosiddetta “Teoria Tricromatica” di Young-Helmholtz che prende forma nel 1802 a partire dalla presentazione degli studi di Thomas Young;
– la cosiddetta “Teoria dei colori opponenti” di Ewald Hering del 1872 che presenta e descrive la teoria dell’opponenza cromatica;
– la teoria “Retinex” di Hedwin Herbert Land del 1977.

Per quanto scritto si può affermare che i colori in natura non esistono ovvero essi non sono dovuti a una caratteristica fisica oggettiva di ciò che si osserva ma sono il risultato di un processo soggettivo del sistema di percezione di chi osserva. I colori sono il risultato di quello che l’occhio dell’uomo vede e il suo cervello elabora. Proprio per questo non tutte le persone vedono i colori nella stessa maniera. Persone diverse possono vedere lo stesso oggetto illuminato (o la stessa sorgente di luce) in maniera diversa in base alle proprie caratteristiche fisiche e personali (al di là della presenza di possibili patologie come il daltonismo). I colori inoltre agiscono sul vissuto emotivo suscitano ricordi, emozioni e associazioni mentali personali proprio come certi profumi o suoni.

Come (con quali strumenti) l’uomo riproduce i colori
L’uomo può produrre i colori in due modi differenti che vengono definiti Sintesi Additiva e Sintesi Sottrattiva. La distinzione tra i due tipi di sintesi risulta fondamentale per la definizione dei colori primari ovvero quelli dai quali si possono ricavare tutti gli altri. Questi colori vengono anche detti unici o assoluti perché non possono essere ottenuti dagli altri ma anzi è la loro combinazione (mescolanza o assorbimento) che determina tutti gli altri.

 Si definiscono colori primari della Sintesi Additiva indicata anche con la sigla RGB:
– il rosso indicato con la lettera R che sta per Red
– il verde indicato con la lettera G che sta per Green
– il blu indicato con la lettera B che sta per Blue

Si definiscono colori primari della Sintesi Sottrattiva indicata anche con la sigla CMY:
– il ciano indicato con la lettera C che sta per Cyan
– il magenta indicato con la lettera M che sta per Magenta
– il giallo indicato con la lettera Y che sta per Yellow

Sintesi Additiva RGB
Si parla di Sintesi Additiva quando il colore percepito è una luce (un’onda elettromagnetica visibile) proiettata direttamente da una fonte luminosa. E’ propria dei mezzi che producono luce come lampade e schermi (televisori, computer, tablet, cellulari) o che “catturano” luce come la macchina fotografica. Nella Sintesi Additiva il colore della luce è il risultato della somma (mescolanza) dei singoli fasci di luce. La somma in parti uguali dei tre colori primari produce il bianco.
Uno schermo a colori é composto da punti (pixel) tra loro molto vicini (tanto più vicini all’aumentare della risoluzione) che contengono al loro interno 3 minuscoli elementi (sub pixel) che opportunamente sollecitati emettono luce colorata in rosso, verde e blu. I sub pixel illuminati con differente intensità generano i colori che si vedono sullo schermo. Nonostante che l’immagine dello schermo sia composta da puntini luminosi colorati l’uomo (grazie alle sue proprietà fisiologiche) non percepisce i singoli puntini ma riesce a vedere un’immagine a colori unica e completa.

Sintesi sottrattiva CMY
Si parla di Sintesi Sottrattiva quando il colore percepito è un’onda elettromagnetica visibile che viene riflessa da un oggetto come ad esempio un quadro, una stampa,  o un make up. Quando un oggetto viene illuminato una parte di questa luce viene assorbita e una parte viene riflessa. La lunghezza d’onda della parte riflessa definisce il colore dell’oggetto illuminato: cosa ben diversa da quella prodotta dall’addizionarsi di fasci di luce come nel caso della sintesi additiva.
La somma dei tre colori primari (ad esempio di colori acrilici o di colori di una stampante) in parti uguali produce il nero. In realtà nella produzione di un’immagine (ad esempio nella stampa di un’immagine) la somma dei tre colori primari della Sintesi Sottrattiva non riesce a fornire il nero puro ma un colore scuro definito nero teorico. Per tale motivo viene aggiunto il nero puro permettendo di aumentare la profondità dei toni scuri e la leggibilità dei testi. Senza questa aggiunta si otterrebero stampe di scarsa qualità a basso contrasto. La stampa con l’utilizzo dei tre colori primari più il nero viene detta stampa in quadricromia CMYK. Il nero viene indicato con la lettera K di Black e non con la sua iniziale B perché questa è anche l’iniziale del colore blu e potrebbe generare confusione. Esistono stampe con un numero di colori superiori a 4 e questo permette di realizzare stampe dalla qualità migliore.

Il bianco e il nero
Per quanto sopra descritto la Sintesi Additiva è anche detta quella del “colore luce”, mentre la Sintesi Sottrattiva, quella del “colore pigmento”.
Si potrebbe affermare, come alcuni suggeriscono, che il bianco e il nero non sono colori perché non compaiono nello spettro visibile delle singole onde elettromagnetiche. Se il bianco e il nero non sono colori come è possibile che l’uomo riesca comunque a percepirli? Il bianco e il nero si possono ottenere mescolando i colori in questa maniera:
– il bianco: si ottiene nella Sintesi Addittiva con la somma dei tre fasci di luce primaria (rosso, verde e blu) in parti uguali, nella Sintesi Sottrattiva non si può ottenere mescolando i colori ma lo si può percepire quando un oggetto (o ad esempio un colore acrilico o un foglio di carta) illuminato non assorbe nessuna onda elettromagnetica e le riflette tutte;
– Il nero: si ottiene nella Sintesi Sottrattiva con la somma dei tre pigmenti di colori primari (ciano, magenta e giallo) in parti uguali, nella Sintesi Addittiva non si può ottenere mischiando insieme fasci di luce colorata ma lo si può vedere, percepire, quando vi è assenza di di luce ovvero nelle condizioni di fonte luminosa spenta o completamente schermata.

Per quanto descritto sebbene per alcuni il bianco e il nero non sono da considerarsi colori essi vengono utilizzati come tali risultando spesso indispensabili per la resa cromatica ed emozionale ricercata. Sarebbe quindi interessante parlare con un pittore o un artista digitale del fatto che il bianco e il nero non siano da considerarsi colori.

I due estremi di una linea corrono verso direzioni opposte ma si attraggono e tendono a incontrarsi per definire una forma chiusa: quella di un cuore che colmo, di emozioni, si agita in uno spazio, geometrico e rigido, dal colore rosso intenso. Questo luogo è un giardino idealizzato nel quale non fioriscono piante ma incontenibili emozioni e passioni. La linea che definisce il cuore si piega su stessa e forma il peduncolo di una mela. Come il peduncolo porta alla mela le sostanze nutrizionali che caratterizzeranno la sua consistenza matura, nella mia rappresentazione il cuore è sì l’organo vitale dell’essere umano ma è anche la forma che conduce alla metafora di una tentazione irresistibile. Il turbinio di coinvolgimenti esce dal giardino e va ad animare e colorare uno spazio bianco, scrivendo così un destino da vivere.

Gina Affinito nel catalogo della mostra “Pop innocence”, collettiva d’arte da lei curata e presentata tra il 10 e il 25 maggio 2025 a Ravenna presso la Ravenna Art Gallery scrive: “L’Eden di Magnolia è digitale, ironicamente asettico. L’elaborazione grafica riformula il mito originario in chiave contemporanea, dove l’innocenza non si perde con il morso, ma si logora nello scorrere dello schermo. Adamo ed Eva? Due avatar sotto copyright”.

Che emozione la magia dietro la macchina da ripresa, che meraviglia lo scorrere delle immagini che raccontano una storia. Fasci luminosi colorati che invadono uno spazio buio simboleggiano le innumerevoli possibilità di raccontare una storia e le innumerevoli possibilità di ripresa di una scena. Il volto meravigliato di una ragazza, un ciondolo a forma di cuore: emozione e passione di chi filma… emozione e passione di chi guarda lo scorrere di una storia. Gli occhiali riflettono i ciak della scena. Ciak: La magia e la meraviglia.

La magia e la meraviglia è l’artwork che presento al “Frame the Fest”, contest di illustrazione del 2025 per la realizzazione della locandina dell’ottava edizione del Settimo Short Film Festival, festival internazionale di cortometraggi organizzato a Settimo Milanese.